Entre paisajes aislados, unas veces envueltos en manto invernal otras impregnados de intensa y luminosa melancolía, las imágenes reclaman ser reveladas. ECM y sus portadas las han ido imprimiendo en sonidos como marca noruega desde los años 70 hasta hoy

Rocas mudas, auroras boreales, mar crispado, renos cruzando llanuras, árboles y montañas durmientes… Todas ellas estampas que como epifanías definen el sentir que este sello dedica a este país escandinavo. Manfred Eicher impulsó la idea de un sonido (basado en el de Kind of Blue de Miles Davis) al que puso imagen casi desde el comienzo de ECM, en 1969. Se definió sobre una expresión aérea teñida de cierto existencialismo, subrayadas por  dinámicas lentas y unas melodías extendidas en tonos a media luz. Ejemplo destacado de la personalidad de esta imprescindible discográfica para las músicas contemporáneas, la prolífica e inquieta obra del Jan Garbarek  se ha nutrido de múltiples experiencias culturales y de la inmersión en la suya propia, acompañada de múltiples colaboraciones aquí y allá tan definitivas como las de Jarrett, Gismonti, Ustad Fateh Ali Khan o el Hilliard Ensemble, para alcanzar orillas poco transitadas para un músico de jazz que sigue a Coltrane desde otros ámbitos.

Lo realmente significativo es que ese alejamiento respecto al jazz de Garbarek se nutre de una imagen introspectiva de su propia tradición musical. Esa idea, como veremos a lo largo de este dossier, ha sido fomentada hasta generar una escena propia, aunque dentro del sonido característico ECM. La convergencia de música antigua y timbres contemporáneos, con voces, cuerdas y melodías de folclore autóctono o de camino hacia el Indostán, con el uso significativo de la improvisación alejada del lenguaje jazzístico, caracteriza a esta lista de nombres actuales e históricos.

Noruega en ECM, hoy

TORD GUSTAVSEN TRIO THE OTHER SIDE

Tord Gustavsen piano y electrónica, Sigur Hole contrabajo,  Jarle Vespestad batería. Grabado en el Rainbow Estudio de Oslo en enero de 2018.

ECM Records 2018 -Distrijazz

Entrevistamos a Tord Gustavsen cuando estaba concluyendo su trilogía a trío. Su música resultaba engañosa. Entra con facilidad, pero eso no significa que sea frívola. Gusta, claro que sí, porque usa los ingredientes adecuados en su mezcla, un espacio renovado dentro del género balada con trabajo tímbrico y envoltorio pop. De nuevo el imprescindible Jarrett de los 70 como referente, con las citas latinomaericanas o líneas arábigas, el sentido bluesy e hímnico de los espirituales sintetizados desde del folk noruego. Esas eran sus señas de identidad entonces, más  un formato reducido en duraciones que supone una exposición concentrada y elocuente a la que sólo falta el estribillo. Con todo ello, sigue alimentando ese mensaje directo, plácido y poético que mantiene un trazo narrativo común con los tres discos anteriores. Una apuesta que va  en paralelo a las de Marcin Wasilewski o Alexi Tuomarila.

     

Hace bien volver al trío con este sonido de mayor interacción de conjunto y libertad de movimientos. Hay una intención extrovertida, despojada de clichés propios, comunicativa, de superficie (diferencia de portadas con las sombrías de los anteriores). Posiblemente, uno de los trabajos más exuberantes de Gustavsen, muy adecuado para estimular su presente creativo en un formato clásico.

 

THOMAS STRONEN- TIME IS A BLIND GUIDE-  LUCUS

Thomas Strønen (drums and percussion),Kit Downes(piano), Håkon Aase (violin), Ole Morten Vågan (double bass), Lucy Railton(cello). Grabado en Lugano en marzo de 2017.

ECM Records 2016-Distrijazz

Un músico de hoy que toque la batería es posible que se inicie y ejerza el jazz como profesional que ha adquirido un concepto amplio – sino completo- del instrumento en el jazz moderno, de Max Roach a Paul Motian o Joey Baron. Pero eso no basta, ya sabemos que hay que saber y tocar y escuchar de todo. Y si te lo propones, componer. Para mi estos son los baterístas más interesantes, porque trasladan una arquitectura a su propia función rítmica o percusiva.

Thomas Stronen ha indagado terreno de intervención electrónica y percusión para un sello cercano como Rune Grammophone. Ha tocado jazz e improvisación, música contemporánea, siempre intentando encontrar un elemento unificador. Un empaste que lo haga posible, un motivo principal que se erija sobre lo que se presupone a su función: el ritmo. La melodía como respiración en un contexto orgánico y abierto.

 

Thomas Strønen se sitúa con este trabajo en la acústica y el grupo de cámara, sin dejar espacio a los timbres electrónicos que una vez usó. El disco toma casi forma de suite, de algo que se nos narra y en la que cada instrumento ejerce de personaje. Tal es el poder evocativo que genera, algo que fluye como orgánico sin resultar compacto, pues hace uso de la improvisación al nivel adecuado para esa descripción. Time is a blind guide, sin saberlo el oyente, es eso, una guía, un relato, un cuento hermoso y promiscuo que no se somete ni al pasado ni a los clichés de estilo del presente.

MATHIAS EICK RAVENSBURG

Mathias Eick (trumpet, voice), Håkon Aase (violin), Andreas Ulvo (piano), Audun Erlien (electric bass), Torstein Lofthus: (drums), Helge Andreas Norbakken (drums, percussion).

ECM Records 2018-Distrijazz

A veces no se sabe si ciertos músicos de ECM hacen lo que sienten o se pliegan al afecto anestésico del sonido del sello.  Este hecho es más sensible tratándose de la escena escandinava, proclive a acentuar su carácter espaciado e introspectivo. A las publicaciones de Eick, trompetista de recursos tímbricos, con sonido dúctil y sugestivo, les falta personalidad, o toda ella queda debajo de la producción. Pasó con su ya lejano The Room (2008). En ambos – menos quizá en este trabajo- nos encontramos ante un discurso nada autónomo de los principios estéticos trazados por el sello para Noruega.

 

Todo se convierte en atmósfera llevada por melodías atrapadas en un solo paisaje de melancolía, acaso invernal. Producto de marca con poco margen para el carácter del artista, no obstante se advierte por el uso de la plantilla con violín y percusión una vía “de cámara” interesante que otros músicos noruegos -aquí recogidos- ya exploran. Arve Henriksen, el otro gran trompetista noruego de este sello, en los grupos de otros.

 

MATS EILERTSEN  RUBICON

Trygve Seim(tenor y soprano saxofones), Eirik Hegdal(saxos soprano y baritono, clarinetes), Thomas Dahl (guitarra), Rob Waring (marimba y  vibrafono), Harmen Fraanje(piano, Fender Rhodes), Mats Eilertsen(double bass), Olavi Louhivuori (drums). Grabado en el Rainbow estudio de Oslo en mayo de 2015. ECM 2016. Distrijazz

El Rubicón es más que un río una epifanía.  El riesgo de llegar a la otra orilla. Una epifanía entre pueblos, victorias o derrotas. Entre posicionamientos sensitivos, humanistas o materialistas, Eilertsen, uno de los contrabajistas más solicitados en la escena del norte de Europa que frecuenta más el trío propio, opta con este formato amplio en color por describir un lienzo-mural en el que lo supérfluo, la impostación y los recursos decorativos quedan en segundo plano.

Generoso en número, ajustado a la dosis personal pero diversa en cada personalidad que lo alimenta, el grupo de Eilertsen en Rubicon es modélico en la construcción de un sonido que rebasa las orillas del río sin nombre

Y no se transita fácil el Rubicon de Eirletsen, tan al mismo tiempo bien pertrechado a la hora de cruzar tan difícil tránsito como descriptivo y aglutinador. Lo consigue rebasar con un grupo ejemplar (adoramos la sonrisa abierta del piano de Harmen Fraanje)  que traslada a sonidos toda su intención de síntesis entre emociones y paletas de colores. Escuchen Lago.

Abierto en estilos, con interacción improvisatoria jazzística, pero rozando por momentos la música antigua, el pop folk o el melodismo romántico, y  dejando espacios a la expresión solista, se reafirma como uno de los grupos más compactos e interesantes de este artículo. Rubicon o la utopía del verdadero y más actual jazz nórdico.  

 

TRYGVE SEIM HELSINKI SONGS

Trygve Seim (composición y saxos),  Kristjian Randalu (piano), Mats Eilertsen (contrabajo), Markku Ounaskari (batería). Grabado en el Rainbow estudio de Oslo, enero de 2018.

ECM Records-Distrijazz

Es es elegido. Lo sabemos desde hace tiempo. Es él el que toma el sito de Jan Garbarek. Presenta discos con una frecuencia por encima de dos años: se nos junta éste con su anterior trabajo, Rumi Songs. Queda por debajo de él por  autocomplaciente, excesiva y confortablemente lírico. Está repleto de citas directas al cuarteto nórdico de Keith Jarrett (My song concretamente) e indirectamente (eran mucho más atrevidos) al de Bobo Stenson, ambos con Jan Garbarek. Todo es música los años 70, jazz-folk-clásica,  que aquí viene envuelta en una atmósfera y timbres apropiados para una época necesitada de sensibilidad. Una profundidad de mensaje que se evapora tan sólo con recrearse en ella,  pues es lo que hace.

El problema son esos excesos sensibleros y sobre todo que Trygve Seim ejerce de solista, dejando al resto del grupo como soporte a una voz a la que sólo le falta, eso sí, cantar. Pero eso ya lo hizo antes Garbarek. Nuevo envoltorio a ideas del mismo sello.  El disco que nos ocupa justo debajo es más interesante.

TRYGVE SEIM RUMI SONGS

Tora Augestad(voz), Trygve Seim (composición y saxos), Frode Halti (acordeón), Svante Henryson (violonchelo). Grabado en el Rainbow estudio de Oslo en febrero de 2015.

ECM Records-Distrijazz

Decíamos, abriendo la reseña anterior, que Trygve  Seim había sido el elegido para recoger el legado de Jan Garbarek, por cu capacidad para adaptarse a distintos proyectos y folclores desde una base jazzística y de improvisación contemporáneas. Es uno de los músicos más demandados en esta escena noruega (el otro sería  Arve Henriksen) con presencia en este mismo artículo en los trabajos de Mat Eilertsen y Sinikka Langeland.

Tan significativas son sus participaciones en proyectos de amigos como la facilidad con la que publica proyectos tan distintos como el anterior y éste, que parecen formar parte de un ciclo de canciones aún por completar

 

Rumi songs nos lleva a Asia central, a Irán concretamente. Esta situación geográfica, inspirada en los poemas del místico persa Jalaluddin Rumi (1207-1273) viene acompañada de un grupo instrumental + voz absolutamente oportuno: violonchelo (noten que es uno de los instrumentos más recurridos en estos proyectos, aquí sin percusión), acordeón (Halti es un soberbio acordeonista contemporáneo y de folk), saxos (los de Seim) y la voz exquisita y descriptiva de Tora Augestad.

La música discurre con un enorme poder evocativo,  con esas inflexiones y figuras arábigas, guiños al tango, en una interpretación en la que se simulan ambientes, decorados o instrumentos no occidentales. Especialmente en el caso de Seim, que muta sus saxos en sonidos y tesituras (mención aparte del acordeón) parecidos al duduk armenio.

El tono desenfadado y el gesto cortesano casi pop que alumbra este atípico y encantador encuentro persa-escandinavo recuerdan, para hacer un símil estético, al californiano grupo Tin Hat o incluso al Elvis Costello de Juliet Letters con el Brodsky Quartet.

Cálculo de luces y paisajes, de clima como sentido de permanencia, la música noruega en ECM evita la presencia descarnada de la naturaleza y el rigor del invierno para instalarse en una mirada contemplativa e indulgente. El folclore emerge en todas las estaciones

SINIKKA LANGELAND THE MAGICAL FOREST

Sinikka Langeland (kantele, voz), Arve Henriksen (trompeta), Trygve Seim (saxos), Anders Jormin (contrabajo), Markku Ounaskari (percusión), Trio Mediaeval (voces). Grabado en el Rainbow estudio de Oslo en febrero de 2015.

ECM Records 2016-Distrijazz

Volver a los terrenos del folk e improvisación demarcados por discos tan memorables como Agram de Lena Willemark y Alle Möller (1996) reconforta. Se trata y trataba de estimulante obras cantadas, por lo general al principio, con intenso o descriptivo desarrollo instrumental posterior. Fundamental es la combinación de instrumentos tradicionales con modernos y la obtención de timbres que tanto pertenecen al pasado medieval como al mundo contemporáneo.

Austeridad religiosa reminiscencias medievales que Sinikka Langeland con su voz acompaña del instrumento kantele, instrumento de cuerda pulsada especie de salterio o címbalo húngaro exportado a Finlandia 

Bastante menos exuberante, sin que le falte esencia folk, que el insuperable Agram, más austero y ascético debido a esa tendencia litúrgica “mariana” que Sinikka Langeland (originaria de Grue, en la región de Østlandet, al noreste de Oslo, en la frontera con Suecia) ha cultivado en su María`s songs (ECM 2009), The magic forest maravilla en ese tema o en los estupendos Jacob`s dream y Breaver, conectando al Garbarek de The Legend of the seven dreams con Grieg, la música culta europea de Bach y el pop-jazz en menor medida. Todo un sortilegio nórdico.

 

NILS ØKLAND BAND KJØLVATN

Nils Økland (viola d’amore, violín noruego, violín), Rolf–Erik Nylstrøm (saxofón alto y barítono), Sigbjørn Apeland (harmonium), Håkon Mørch Stene (percusión, vibráfono), Mats Eilertsen (contrabajo). Grabado en la Iglesia Hoff de Østre Toten, Noruega, junio de 2012.

ECM Records 2015-Distrijazz

Encontraremos en Kjølvatn pasajes muy distintos dentro del perfil de producción sobre folk-noruego abierto por referencias en este mismo sello como Rosensfole, Agram o Sagn. No faltan en el “catálogo nórdico” de ECM multitud de publicaciones de este género que resultan anodinas. No es su caso. Desde el primero de los temas que invita a una recreación medieval al cuarto, que es una transposición imaginada en el paisaje noruego de Flamenco Sketches (Kind of blue), todos tienen un planteamiento acústico que permite las referencias a músicas históricas vinculadas a otras más sofisticadas. Su búsqueda es la de un punto de encuentro en el camino entre folkclore, músicas improvisadas antiguas y timbres de fusión contemporánea.

La inmersión en el legado de las runas y músicas del medievo, con métricas modales interpretadas con técnicas contemporáneas es lo que realmente da personalidad a esta corriente promovida desde la interpelación de estilos y con la expansión creativa que ofrece la improvisación

METTE HENRIETTE O- Ø

O:Mette Henriette (saxo tenor), Johan Lindvall (piano), Katrine Schiøtt (violonchelo)

Ø:Mette Henriette(saxo tenor), Eivind Lønning (trompeta), Henrik Nørstebø (trombone), Andreas Rokseth (bandoneon), Johan Lindvall (piano), Sara Övinge (violín), Karin Hellqvist (violín),  Odd Hannisdal (violín), Bendik Bjørnstad Foss (viola), Ingvild Nesdal Sandnes (violonchelo), Katrine Schiøtt (violonchelo), Per Zanussi (contrabajo), Per Oddvar Johansen (batería, sierra).

ECM Records 2016-Distrijazz

 

A esta música bastaría ponerle imágenes o elementos escénicos para definir su argumento. Pero si prescindimos de ellos la escucha se hace más exigente. Por esa narrativa concentrada que evita el juego improvisatorio, variada en motivos repetitivos y a la vez con respiración alargada, por su capacidad evocativa, la estilización y pulcritud de sonido en conjunto de cámara es por lo que este disco tiene un carácter propio y se diría, como el pueblo Sami al que pertenece Henriette, su propio territorio libre de fronteras de estilo.

Es música programática la contenida en estos dos discos,  pero es más musical y homogénea en el primero que en el segundo. La idea parte de una alegoría que se va diversificando. Ya en el primero de losa dos discos percibimos la originalidad del enfoque, un muy cuidado trabajo tímbrico basado en la vibración y creación de texturas minúsculas cercanas al silencio, que luego veremos ampliado en paletas de color instrumental en el disco 2. En éste los temas adoptan forma de bocetos independientes, de islas que acaban conformando un archipiélago o un cuadro salpicado de gotas de pintura.

CHRISTIAN WALLUMROD ENSEMBLE- OUTSTAIRS

Christian Walumrød (piano, harmonium), Eivind Lønning (trompeta), Gjermund Larsen (vl, vla), Espen Reinertsen (saxo tenor), Tove Törngren (chelo), Per Oddvar Johansen (perc y vibráfono). Oslo, mayo 2012

ECM Records 2013. Distrijazz

Tres características básicas definen el estilo de Christian Wallumrod (Kongsberg, Noruega, 1971): emisión de líneas de respiración extendida, formas melódicas reducidas y el uso mixto de timbres acústicos. El músico noruego, que empezó a despuntar a mediados de los 90 tras pasar por el conservatorio de Trondheim, donde el pianista ucraniano Misha Alperin ha dejado huella, se ha situado en un campo de innovación camerística dentro del jazz escandinavo.

El Christian Wallumrod Ensemble es su proyecto más productivo y longevo. Un marco camerístico (cuarteto, quinteto o sexteto con trompeta, arpa y violín) en el que explora la Música Antigua a través de la improvisación. Música hecha de cadencias lentas que se modulan en ciclos con aleaciones de color y textura, de la que surgen segmentos de claridad historicista y expresión desfigurada, y en la que se da un claro vínculo con autores británicos en el tratamiento melódico (Dowland, Purcell, Bryars) y norteamericanos (Cage y Feldman) en cuanto a una intensidad fluctuante, todos ellos criterios qupermiten construir un enfoque señalado desde la improvisación y el cromatismo entre la época antigua y contemporánea.

 

HAMASYAN-HENRIKSEN-AARSET-BANG ATMOSPHÈRES

Tigran Hamasyan (piano), Arve Henriksen (trumpet), Eivind Aarset (guitar),  Jan Bang (sampling and live electronics). Grabado en junio de 2014 en Lugano.

ECM Records 2016-Distrijazz

Una vez dentro de ECM llegar a la escena noruega no es difícil. Como decimos, hay precedentes de este sonido en planos atmosféricos entre los que sobrevuelan melodías de raíz folclórica realizados por Jan Garbarek en los 80 o ya a finales de los 90, aún más cerca de lo que significa esta producción, por Nils Petter Molvær.

Atmosphères es un título sugestivo poco original, y eso mismo sucede a lo largo y ancho de un disco doble en el que sólo del segundo se pueden extraer algunos instantes de trascendencia musical e interacción de conjunto. Se abusa de las capas de sonido para enmascarar la profundidad de un planteamiento melódico rico en matices tradicionales aunque siempre apesadumbrado y, aquí, diluido entre “atmósferas de presión”. Jon Hassell y Nils Petter Molvær anidan en la trompeta de Henriksen y debajo de este sonido planeador.

Hamaysan viaja a Noruega y se lleva a Komitas, el referente compositivo de Armenia del gusto de ECM. El pianista consciente en el tratamiento vaporoso y efímero. El soplo de aire fresco enérgico, lírico y recargado de sus inicios cede paso a la liviandad de unos clichés de producción de ECM desfasados y absorbentes.

 

KETIL BJØRNSTAD  & ANNELI DRECKER A SUITE OF POEMS

Grabado en junio de 2016 en el Rainbow Estudio de Oslo.

ECM Records 2018-Distrijazz

El piano en Noruega que ECM ha ido recogiendo en su catálogo está menos diversificado y tiene dudosa una importa personal, al contrario de lo que se pudiera pensar. Además, en esta escena  siempre ha habido una necesidad de incorporar el sonido eléctrico de teclados (Balke y sus grupos,  Wesseltoft y Bruninghaus con Garbarek).

Ketil Bjørnstad es músico (además de escritor de novela) formado en música clásica pero con un punto rebelde rockero. Por eso adora a Terje Rypdal con quien formó un grupo. No sabemos mucho de esa primera etapa suya, en cambio si sabemos que en este sello se ha mantenido fiel al piano acústico desde los años 80. La cualidad de su presencia en este catálogo habría que ubicarla  en los postulados  más livianos y autocomplacientes de lo que se entiende por sensitivo,  a un paso de la New Age, vaya…

Por que si bien es cierto que al piano de Ketil Bjørnstad se puede uno acercar desde la herencia vaporosa pero sutil de Bill Evans en las manos de Steve Khun, el músico noruego parece haber formado parte de la nómina del sello aquél llamado Windham Hill en la que había pianistas como George Winston. Este trabajo con la cantante Anneli Drecker significa un paso más hacia la cursilería sensiblera: basta con ver el título, basado en poemas viajeros de Lars Saabye Christensen. No llega a la altura de otras parejas, aunque pudiera pretenderlo, como las que unió al ya citado Kuhn con Sheila Jordan o Norma Winston con John Taylor.  

JON BALKE WARP

Jon Balke piano, sonidos, imágenes. Grabado en el Rainbow estudio de Oslo en septiembre de 2014. Masterizado en Munich.

Resulta estimulante encontrarse con un mismo autor tiempo después de su última publicación en solitario, como hizo en toda su dimensión acústica con The book of velocities. Balke ha sido un autor destacado entre la segunda mitad de la década de los 80 y principios de los 90. Desde el grupo Masquarelo, heredero del de Garbarek-Stenson en los 70, hasta proyectos como Oslo 13, hecho de percusiones, metales y timbres electrónicos.

Warp ofrece un enfoque de concepto semejante a Book of velocites en cuanto a que hay también una intención narrativa en la disposición de una música acompañada de sonidos concretos o bien alterados electrónicamente (además de unas imágenes que no vemos). Son piezas cortas con identidad independiente que configuran un fresco sonoro móvil.

Música, sonidos e imágenes construyen un medio de expresión donde el instrumento amplía su potencial evocativo. Melodía y piano se abren paso en un paisaje musical etéreo y complaciente. 

 

JAN GARBAREK

ECM Records-Distrijazz

A él, patriarca de lo que para ECM es el sonido nórdico, y a su apertura a otras regiones y estilos, hay que dedicarle un capítulo aparte. Y  aquí lo hicimos. Esta selección que ofrecemos en imágenes reúne trabajos del saxofonista tienen un marcado perfil noruego y están ligados entre sí por hilos no evidentes (quizá la presencia de Naná Vasconcelos sería el vínculo) y definen la producción más personal de Garbarek en los 80. I took up the runes (1989) tiene su germen vez en la autenticidad y desnudez de Legend of the seven dreams que a su vez ligado a Eventyr, compendio de respiración abierta y restringido en las duraciones, de improvisación y folk ancestral.

Obra absolutamente moderna por su respiración medieval, incorporando el sonido de clave en teclados (Voy cantando y Brother wind).  Definitorio por un lado del gusto por configurar trabajos en solitario con el uso de la tecnología de sobreexposición, Rosensfole es por un lado un inmersión en las ragas, cuentos y leyendas vikingas cantadas por Agnes Buen Garnas, primer disco no instrumental del noruego, y una plataforma de expresión sonora con poder visual.

Desde 1990, fecha de publicación de uno de los proyectos decisivos en su carrera como I took up the runes, Garbarek sigue configurando sus proyectos instrumentales sobre la base de este lejano trabajo último de su etapa de exploración del folclore propio.